Richie Culver & Hannah Perry | Body Shop

Ein Vauxhall Corsa auf der M62, irgendwo zwischen Chester und Hull

Über die Arbeit von Richie Culver und Hannah Perry von Adam Carr

Bevor ich eingeladen wurde, diesen Text zu schreiben, habe ich oft über die gemeinsamen und partnerschaftlichen Tendenzen im Werk von Richie Culver und Hannah Perry nachgedacht, nicht zuletzt wegen der Zeit, die sie in meiner Heimatstadt Chester verbracht haben - Perry wurde in der Stadt geboren, Culver lebte dort für einen gewissen Zeitraum bei seiner Schwester. 

Es ist nichts Neues, dass Künstler:innen, die in einer bestimmten Region oder an einem bestimmten Ort arbeiten, gemeinsame Interessen haben und dass diese Prägungen in Form von konzeptionellen und formalen Ähnlichkeiten oder zumindest über Arbeitsweisen bekannt gemacht werden. Der Aufenthaltsort von Künstler:innen und der ortsabhängige Kontext, der eine Praxis formt, haben natürlich viele Ismen und Momente in der Kunstgeschichte hervorgebracht und können für eine bestimmte Arbeitsweise charakteristisch und sinnbildlich sein. Chester mag zwar ein Ort der Inspiration sein, ist aber keine Hauptstadt und hat daher eine andere Geschichte mit künstlerischen Merkmalen, die beispielsweise mit denen von London, Paris, New York oder Los Angeles übereinstimmen. Trotz seiner relativ geringen Größe und des Mangels an zeitgenössischer Kunst - es gibt keine bekannte Kunstinstitution - hat Chester überraschenderweise mehrere international bekannte zeitgenössische Künstler:innen hervorgebracht, darunter Ryan Gander, Jesse Wine und Richard Woods. Während beide Künstler einige Zeit in der Stadt verbracht haben, ist Culvers Aufwachsen in Hull ebenso relevant für die Überschneidungen, die zwischen den Arbeiten der beiden Künstler auftreten. Obwohl der Regionalismus in den Werken beider Künstler als Anerkennung gesehen werden könnte, handelt es sich eher um einen reaktionären Vorstoß gegen normative Codes sozialer, politischer und anderer Systeme, die eine Verhaltensweise kennzeichnen, die in vielerlei Hinsicht als Treffpunkt für ihre Praktiken betrachtet werden könnte.

Obwohl sich die Arbeiten von Culver und Perry mit und innerhalb der Grenzen ihrer Herkunft auseinandersetzen, besteht gleichermaßen der Wunsch, in einem viel größeren Kontext zu sprechen, der das zutiefst Persönliche dem Universellen unterordnet. Der Wille, über den Tellerrand hinauszublicken, ist vielleicht eine Folge ihrer Erziehung in Arbeiterhaushalten, die wiederum eine Sehnsucht nach einem anderen Ort, nach etwas anderem, geweckt hat.  Ihre Praktiken sind zum Teil eine Anerkennung anderer Künstler:innen und ein Bewusstsein dafür, wie ihre Arbeit eine alternative Rolle in der Geschichte oder den Geschichten der materiellen Betrachtung und des Themas sowie der Präsentation und Übermittlung spielen könnte. Über solche Affinitäten hinaus gibt es einen gemeinsamen Bereich eines intensiven Engagements für akustische Belange, oft durch die Arbeit mit Klang, aber vor allem durch den Einsatz von greifbaren Materialien. Viele von Culvers Arbeiten könnten an Lyrik erinnern, während seine Klangveröffentlichungen in Form von Alben und EPs ebenso Teil seiner Praxis sind wie seine Gemälde. Perrys Arbeiten nutzen häufig den Klang, genauer gesagt Klangwellen, und machen sich dessen Fähigkeit zunutze, einen Kontext für eine Reihe von weitgehend visuellen und skulpturalen Aspekten zu schaffen.

Auch wenn es nicht auf den ersten Blick ersichtlich ist, lässt sich bei näherer Betrachtung doch erkennen, dass die Künstler mit einem nahezu identischen Soundtrack aufgewachsen sind. Ihr klangliches Streben oder vielmehr die Art von Sound, die durch ihre Arbeit widerhallt, könnte mit mehreren Künstler:innen verwandt sein, die ebenfalls von der fast identischen Periode der britischen Clubkultur beeinflusst wurden - Mark Leckey, Oliver Payne und Nick Relph und Simeon Barclay eingeschlossen, und von der anderen Seite des Wassers Tony Cokes. Die Sehnsucht nach Emanzipation, wie sie mit regionaler Herkunft verbunden ist, und die Sehnsucht, Teil einer größeren Gemeinschaft zu sein, ist ein grundlegender Aspekt und Schlüssel zum Verständnis der Arbeit beider Künstler.

Nehmen wir zum Beispiel Give Us A Little Smile (2011) und Wonderful While It Lasts (2012), eine Reihe von früheren Videoarbeiten von Perry. Beide Filme enthalten gefundenes Filmmaterial und gesampelte Selbstaufnahmen, die mit verschiedenen Tonspuren überlagert sind, die von gesprochenem Wort bis hin zu Musik reichen. Der Ton wird zur Struktur für den Schnitt und die visuelle Gesamtpräsentation und umgekehrt, so dass Betrachter:innen in eine Bewegung von Ton und Bild hineingezogen wird, bei der die beiden so oszillieren, dass sie eins werden und miteinander verschmelzen. Mehrere Stichworte verweisen auf die Euphorie, die so oft mit der Clubkultur in Verbindung gebracht wird, und darauf, wie Klang den Körper und seine Assoziationen mit der Identität formen und beeinflussen kann, was durch eine Vielzahl von Ereignissen dieser kurzen, aber stets glühenden Ära ermöglicht wird.

Perrys jüngste skulpturale Assemblagen, die in einer Reihe von Installationen erscheinen, haben den Klang als visuelles Element eingesetzt, indem sie ihn enthüllen und gleichzeitig verschleiern. No Tracksuits, No Trainers (2023) verwendet Metallbleche, auf die projizierte Schallwellen projiziert werden, die das Material mit unerbittlicher Kraft in Schwingung versetzen und verzerren. Diese Verschmelzung von Klang und Bild ist typisch für Perrys Ansatz, bei dem das Material dem Klang eine Form gibt und der Klang die Form auflädt und verändert. Wichtig ist, dass ihre Verwendung von schweren und robusten Materialien an industrielle Fertigung erinnert, und das ist kein Zufall - ihre direkte Familie, ihr Bruder und ihr Onkel, waren Schweißer. Ihre Arbeit ist gespickt mit biografischen und geschlechtsspezifischen Bezügen - die wiederholte Präsenz von Autos, Kleidung und Gegenständen -, die Diskussionen über Identität auslösen und die Komplexität des Körpers untersuchen. Es ist, als ob die geisterhafte Präsenz von Richard Sierra und Donald Judd, zusammen mit anderen männlichen Figuren des Hochglanzpolierten und des industriell Produzierten, durch Fragmente einer weit entfernten und doch seltsam verbundenen Abstammung übertragen wurde.

Culvers Arbeit beschäftigt sich ebenfalls mit dem kulturellen Gedächtnis im Zusammenhang mit der sozialen Klasse. Genauer gesagt, untersucht ein Großteil seiner Arbeit, wie auch die von Perry, den Kontext seiner eigenen Biografie, während er gleichzeitig anerkennt, wie sich dieses ansonsten begrenzte Verständnis mit einer globaleren Sichtweise verträgt. Der offensichtlichste Fall ist eine frühe Serie von Foto-Essays, die seine Familiengeschichte durch eine Reihe von Fotografien aufzeichnen, die mit emotionalen Texten verwoben sind. In den Werken, die unmittelbar darauf folgten, wurde weiterhin auf vorhandenes Material zurückgegriffen, das vor allem wegen seiner einfachen Verwendbarkeit geschätzt wurde. Doch obwohl der Künstler die bescheidenen und ernsthaften Anfänge seiner Praxis in Form von Interviews und Texten zum Ausdruck gebracht hat, täuschen seine Arbeiten über diese Bedingungen hinweg, die in der Tat unglaublich bewusst, ja sogar gelehrt wirken, was die potenziellen Gespräche betrifft, die sie mit der Kunstgeschichte führen.

Culvers Reihe von textbasierten Gemälden erinnert an die malerische Faulheit, die so oft mit der Schule der schlechten Malerei - Kippenberger, Messe und Richter - in Verbindung gebracht wird, und an die kühlen und ruhigen, aber dennoch schnellen und ausdrucksstarken Gesten, wie man sie im Werk von Christopher Wool und Michael Krebber findet. Seine Gemälde zeichnen eine Geschichte auf, sie sprechen einen Prozess ihrer eigenen Entstehung aus, und wir können mehrere Schichten von vielleicht aufgegebenen und halb vergessenen Ideen erkennen, die über sie verstreut sind. Die darunter liegenden Fragmente werden oft von Texten überlagert, und in neueren Arbeiten werden die Botschaften in den Mittelpunkt gestellt und von den begleitenden Elementen früherer Gemälde entfernt.  Die Texte auf den Gemälden sind immer das Ergebnis eines Prozesses, bei dem in schnellem Tempo Zeichen gesetzt werden, aber diese Assoziationen mit Geschwindigkeit und Flüchtigkeit werden durch die eigentlichen Botschaften, die sie enthalten, aufgehoben, die in ihrer Betrachtung sehr konzentriert sind und große und gewichtige Konzepte unserer Existenz ansprechen.  Während Culvers Gemälde durchaus auf die Geschichte des Mediums zurückblicken können, sprechen ihre unverblümten Überlegungen zu unserer gelebten Realität - die unsere Bindung an Bildschirme und die unaufhörliche Übertragung von Bildern und Informationen andeuten - eine eher gegenwärtige Realität an. Solche Gedanken sind nicht ausschließlich an die Malerei gebunden, und seine Performances verfolgen einen interdisziplinären Ansatz, bei dem er das Publikum live mit einbezieht, sei es inmitten der Gemälde in einer Galerie oder, wie bei einer seiner jüngsten Darbietungen, auf einem Jahrmarkt in Hull im Zentrum der Waltzers.

Perrys und Culvers Arbeiten sind Ausdruck von Trauer und Verlust, aber auch von optimistischeren Idealen wie Liebe, Kommunikation und Weltgestaltung. Da die Ursprünge ihrer Arbeiten nur wenige Kilometer voneinander entfernt liegen, fragt man sich, ob es etwas im Wasser gab, das die Ursache für die Überschneidungen im emotionalen Konzeptualismus war, der ihren Arbeiten zugrunde liegt. In Anbetracht der Anliegen, um die es in den Werken beider Künstler geht, wäre es nicht weit hergeholt, sie durch die Brille der Romantik und ihrer mit der Präraffaeliten-Ära verbundenen Geschichte zu lesen. Genauso gut könnte die jüngste Presse über Fragen des Wohlbefindens und die Auswirkungen der oft unaufgeforderten Informationsflut im Zeitalter der sozialen Medien, die in der zeitgenössischen Produktion aufgedröselt und in den Arbeiten von Carolyn Lazard, SoiL Thornton oder Martine Syms verarbeitet werden, eine Rolle spielen. 

Die Werke von Perry und Culver sind jedoch eine Art kollektive, aber persönlich erlebte Geschichte, die den Eindruck erweckt, dass alle assoziativen kunsthistorischen Präzedenzfälle eher eine vorübergehende Domäne als eine dauerhafte Einrichtung sind.  Obwohl sie vielleicht nicht ganz ohne ihre eigene Geschichte und ihre besonderen Umstände auskommen, werden ihre Arbeiten sowohl in der Gegenwart als auch in der Gegenwart aufgeführt und ringen mit Begriffen von Identität, Selbst und Erwartungen, die wir alle auf unterschiedliche Weise ertragen müssen.